Cet article est tiré de l'ouvrage
L'intention du photographe
de David duChemin
paru aux éditions Pearson France.

Visions et expressions


L'ombrelle rose
Vannage à lamayuru
Le chai de Nizamuddin

 



l'intension du photographe

L’ombrelle rose

N’OUBLIEZ PAS QUE LE TRAITEMENT commence par une identification de notre intention. Il s’ensuit une correction des faiblesses de l’image, une détermination de l’atmosphère, une focalisation de l’attention et l’application de réglages préliminaires, comme le redimensionnement et l’accentuation.

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Image traitée

Pour que vous compreniez ce que j’entends par « expression d’une vision », je commence ce didacticiel par l’application de réglages élémentaires. En effet, toutes les photographies n’imposent pas un traitement approfondi.

J’ai pris cette photo dans Chandni Chowk à Old Dehli, en Inde. Mon regard fut attiré par les couleurs claires de cette ombrelle pour enfant. Je fus séduit par le contraste entre la texture des mains du vieil homme et celle du tissu, parfaitement lisse. Il évoquait en moi la distance qui sépare la jeunesse de la vieillesse, l’homme de la femme. L’image semble se suffire à elle-même. Toutefois, l’intervention sur un fichier Raw aux valeurs réinitialisées impose une modification des réglages automatiquement appliqués par l’appareil ou le logiciel. Cette intervention initiale détermine mes travaux de développement numérique.

Plus vous gagnerez en expérience et plus vous observerez que vos réglages initiaux sont souvent les mêmes d’une photo à une autre. Ma vision s’exprime à travers des couleurs éclatantes, un contraste solide et une luminosité intense, exactement comme à l’époque où je développais des films diapo. Je prends alors cette première image comme point de départ pour l’application d’autres réglages, qui singulariseront la traduction des intentions de chaque scène photographiée.

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Fichier Raw initial.

Fidèle au fameux enseignement de mon professeur, je commence par déterminer des noirs et des blancs purs car la réinitialisation des valeurs de mon fichier Raw a réduit le contraste de l’image. L’histogramme confirme ce constat visuel.

Le problème du traitement des images est de définir des valeurs initiales qui ouvriront la voie à des ajustements plus précis. J’obtiens ces valeurs en exécutant la commande Tonalité Auto du panneau Réglages de base. Elle fixe la valeur Noirs à 10, ce qui transforme les tons foncés les plus sombres en noirs purs. Pour bien contraster l’image (A), la Tonalité Auto porte la Luminosité à +22 et le Contraste à +45. Le paramètre Récupération est fixé à 6. Avant de modifier sa valeur, je dois régler le problème de luminosité de l’image via le paramètre Exposition.

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Je fixe l’Exposition à +1,00. L’éclaircissement obtenu m’oblige à restaurer des détails dans les tons foncés en portant la valeur du paramètre Récupération à 23 (B). Je constate alors une désactivation de l’indicateur d’écrêtement des tons clairs de l’histogramme.

J’effectue deux opérations pour introduire davantage de contraste dans l’image. La première consiste à ouvrir le panneau Courbe des tonalités pour et à appliquer le paramètre prédéfini Contraste moyen. L’image devient plus dense. La seconde consiste à revenir dans le panneau Réglages de base pour fixer la valeur Noirs à 15. En règle générale, j’accentue les noirs, même si l’histogramme m’avertit de leur écrêtement. Je réduis leur valeur lorsque des détails significatifs de l’image disparaissent dans les tons foncés.

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Enfin, pour récupérer le peu de détails perdus et rendre l’image plus lumineuse, je fixe la valeur du paramètre Lumière d’appoint à 22. Pour renforcer l’optimisme qui se dégage de la scène, j’amplifie l’intensité des couleurs les plus pâles en faisant glisser le curseur Vibrance à +30 (C). La partie la plus importante du traitement est terminée.

La luminosité et l’intensité des couleurs restaurent l’atmosphère de la scène. Comme aucun élément ne détourne l’attention, je ne recadre pas l’image. Je dois maintenant procéder à quelques ajustements pour focaliser l’attention du public sur des éléments spécifiques. Ainsi, mon intention sera perçue et ma vision parfaitement bien exprimée.

Mon intention est de montrer le contraste entre la vieillesse, symbolisée par les mains tannées de l’ouvrier, et l’enfance, symbolisée par l’ombrelle chatoyante. Pour l’exprimer, je fixe la Clarté sur +50. Une valeur supérieure salirait l’image, la détournant de l’objectif que je lui ai fixé. La Clarté est un paramètre idéal pour diriger le regard du public. Elle peut s’appliquer globalement ou localement, avec les outils Pinceau Réglage et Filtre Gradué.

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Enfin, j’applique un vignettage pour focaliser davantage l’attention sur les deux tiers supérieurs de l’image. Pour cela, j’ouvre le panneau Corrections de l’objectif. Dans la section Vignettage de l’objectif, je fixe le paramètre Quantité à –80 (D) sans modifier la valeur du réglage Milieu. Pour mieux évaluer l’impact du vignettage, j’affiche le contenu du panneau Navigation. En regardant la miniature de l’image, j’apprécie mieux l’étendue du vignettage.

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Il ne reste plus qu’à accentuer et à exporter l’image pour l’imprimer. La netteté d’impression est un sujet qui dépasse le cadre de ce livre car elle dépend de votre sens esthétique et de facteurs matériels tels que l’imprimante, le papier et l’encre utilisés.

Pour effectuer une impression classique, j’accède au module Impression de Lightroom. Dans le panneau Travaux d’impression, j’applique je choisis une Netteté d’impression Standard, un Type de support Brillant et le format d’impression Fichier JPEG. Je coche l’option Dimensions de fichier personnalisées pour appliquer une taille d’impression de 14 ´ 11 pouces (E). J’adresse ce fichier à mpix.com pour tirer cette image sur un papier Kodak Mettalic. L’impression d’un fichier JPEG permet, directement depuis Lightroom, de créer des bordures et d’appliquer un logo ou du texte sous la forme d’une plaque d’identité.

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Avec l’habitude, ce traitement ne demande pas plus de cinq minutes. Sa phase la plus importante se déroule en amont de toute modification des réglages. Elle consiste à identifier votre intention pour bien guider vos actions. C’est la condition sine qua non à la restitution précise d’une atmosphère ou à la focalisation du regard sur des éléments essentiels de l’image. N’oubliez jamais que l’ensemble de ces observations est au service de votre intention. Plus loin dans ce chapitre, je vous montrerai que le hasard joue un rôle fondamental dans notre flux de production. Pour le moment, soyez conscient du sens de votre vision et des outils au service de son expression.

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Canon 5D Mark II, 85 mm, 1/160 @ f/2, 200 ISO
Old Delhi, Inde, 2009.

Vannage à Lamayuru

LE FICHIER RAW D’ORIGINE ne traduit pas l’ambiance bleutée de cette scène. J’ai photographié ce travailleur à Lamayuru, un petit village situé en haute altitude dans la région du Ladakh, en Inde. Je devais restituer les impressions ressenties à cette période des moissons, comme le bleu du ciel, la couleur dorée de la récolte, la poussière et la paille qui virevoltaient dans tous les sens.

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Fichier Raw original.

Sur le fichier Raw original, la sensation que donne la lumière du soleil est très éloignée du souvenir que j’ai de cette scène. Mon objectif est donc d’en restituer la qualité globale. Je compte accentuer le contraste pour retrouver cette lumière particulière et le bleu si spécifique d’un ciel d’altitude. Parallèlement, je vais tenter de recréer l’impression provoquée par toutes les particules en suspension dans l’air.

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Image traitée.

Je commence par supprimer les taches de poussières qui perturbent la lisibilité de l’image. Avec le stylet de ma tablette graphique Wacom, j’applique l’outil Retouche de tons directs en mode Corriger (A). J’effectue cette opération en affichant l’image à 100 % (1:1). Je commence par nettoyer la surface du ciel en retouchant les angles supérieurs. Pour afficher une section masquée du ciel, j’appuie sur la barre d’espace. Avec l’outil Main, je fais glisser le contenu de la zone de travail pour localiser d’autres zones tachées du ciel. Pour réactiver l’outil Réglage des tons directs, je relâche la barre d’espace.

Après ce nettoyage du ciel, je me consacre à la restitution de l’atmosphère de la scène. Comme l’histogramme de l’image montre que les tons les plus foncés ne sont pas noirs, je fixe à 15 la valeur du paramètre Noirs du panneau Réglages de base.

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Bien que l’histogramme montre un écrêtement des tons clairs, je pousse la valeur Exposition à +1,15. Toutefois, j’appuie sur la touche J du clavier pour identifier les zones écrêtées. Je constate qu’il s’agit du soleil. Comme l’astre ne contient aucun détail, l’augmentation de l’Exposition n’endommage pas l’image. Mon objectif étant de retrouver la luminosité globale de l’automne, j’assigne des valeurs plus élevées qu’à l’accoutumée (B).

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Les prochains réglages auront un effet a priori désastreux, mais s’avéreront salutaires à la restitution de l’ambiance. Dans le panneau Réglages de base, je fixe les paramètres Récupération et Lumière d’appoint à 25, et Luminosité à +20 (C). Je vais maintenant améliorer ce résultat inesthétique.

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Pour déterminer une Courbe des tonalités en forme de S, j’assigne la valeur +60 aux Tons clairs, +10 aux Teintes claires, –20 aux Teintes sombres et –60 aux Tons foncés, restaurant ainsi le contraste (D). L’image est plus lumineuse et la lumière du soleil baigne le visage du paysan. Toutefois, pour retrouver cet éclairage automnal si particulier, je dois intensifier les tons foncés et donner de l’éclat aux tons clairs. L’amplification du contraste nécessite une Courbe des tonalités plus escarpée. Je m’y attelle en observant l’image. Comme tout est question d’appréciation subjective, je ne communiquerai aucune valeur. Faites glisser les curseurs et votre sensibilité vous dictera les bons réglages.

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Malgré toutes ces améliorations, le ciel n’est pas bleu. Je pense alors qu’un vignettage me donnera entière satisfaction. Il est important de restaurer la couleur du ciel car elle caractérise cette région située en haute altitude. Elle est essentielle pour que l’émotion du public reste connectée à cette photographie.

Pour contrôler la modification, j’applique un Vignettage après recadrage depuis le panneau Effet. Après quelques hésitations, j’opte pour le Style Priorité des tons clairs, auquel j’attribue les valeurs suivantes : Gain –32, Milieu 26, Arrondi +7, Contour progressif 51, Tons clairs 0 (E). Pour apprécier l’effet d’un vignettage, je conseille d’afficher la miniature du panneau Navigation. Cette fois encore, expérimentez d’autres valeurs et choisissez celles qui produisent l’effet que vous recherchez.
Il ne me reste plus qu’à procéder à quelques ajustements.
Je retourne dans le panneau Réglages de base pour augmenter la saturation des couleurs les moins intenses en fixant le paramètre Vibrance à +15. Je souhaite également que les textures de l’image attirent l’oeil du public. Habituellement, j’ accentue les textures avec le paramètre Clarté. Mais sur cette image, il réduit le halo de lumière autour du visage du fermier. Comment contourner cette difficulté ?

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L’oeil doit être attiré par la texture située sur le côté droit de l’image. Pour limiter l’effet à cette zone et ainsi préserver le halo sur le visage du sujet, j’ applique un Filtre Gradué avec tous ses paramètres à 0, sauf la Clarté à laquelle j’assigne une valeur de +100. Je trace un dégradé depuis le bord droit jusqu’à la fourche (F).

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Tout réglage se fait au détriment d’un autre. Il résulte de mes manipulations un décalage des données tonales de l’image sur la droite de l’histogramme. Pour éviter cela, j’aurais dû ouvrir d’un diaph supplémentaire au moment de la prise de vue. Ne l’ayant pas fait, mon traitement dans Lightroom introduit du bruit dans la partie supérieure droite du ciel.
Afin d’évaluer la portée de mes prochains réglages, je zoome à 1:1. J’ouvre ensuite le panneau Détail et je fais glisser le curseur Couleur vers la droite jusqu’à la valeur 40. Après avoir testé d’autres valeurs, je laisse le paramètre Détail sur 50. L’amélioration de cette zone de l’image est significative.
Maintenant, je peux renforcer la netteté en vue d’imprimer l’image.

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Canon 5D, 28 mm, 1/60 @ f/2, 200 ISO
Lamayuru, Ladakh, Inde, 2009.



Le chai de Nizamuddin

CETTE IMAGE EST L’UNE DE MES PREMIبRES PHOTOGRAPHIES EN INDE. Je l’ai réalisée grâce à mon ami Matt Brendon, qui me fit découvrir ce lieu de Dehli. Ce fut mon premier contact avec ce pays. Les impressions qui m’envahirent durant toute cette journée m’ont conduit à les exprimer en bichromie.

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Cette image n’est pas une simple application d’un virage partiel, mais l’interprétation chromatique de sensations inoubliables.

Nizamuddin est un endroit magique, qui semble peuplé de centenaires. Je devais traduire cette impression en vieillissant mon image avec de riches couleurs chaudes. Mon flux de production commença pour la conversion de l’image en noir et blanc, à laquelle un virage partiel appliqua du jaune dans les tons clairs, et du violet dans les tons foncés.

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Fichier Raw initial.

L’estimation des faiblesses de l’image montre une carence des tons foncés avec, comme corollaire, un écrêtement des tons clairs sur les tasses et la calotte de l’homme assis à gauche. Pour corriger l’écrêtement, je porte l’Exposition à –0,20 et la Récupération à 15. Ensuite, je densifie les tons foncés en assignant au paramètre Noirs la valeur 17 (A). Une fois encore, ne cherchez pas un flux de production précis. Il est conçu pour montrer comment exprimer votre vision en fonction des intentions recélées par votre image. Aucune photo ne profite de recettes appliquant des valeurs absolues, car la traduction de sensations personnelles dicte une intuition qui dépasse la théorie et la technique. Cette intuition vous amènera à agir sur le paramètre Noirs ou Lumière d’appoint avant d’intervenir sur la Courbe des tonalités, même si la chronologie de vos actions manque de logique.

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Fidèle à une approche chaotique dictée par des sensations et non par une logique pédagogique, j’applique la Courbe à points Contraste moyen du réglage Courbe des tonalités. Je définis ainsi une courbe en forme de S qui augmente le contraste de l’image. Ensuite, j’applique les valeurs suivantes : Tons clairs +28, Teintes claires 0, Teintes sombres –7, et Tons foncés –15 (B). L’image devient plus sombre, mais je n’interviendrai sur les tons moyens qu’après la conversion en noir et blanc et le virage partiel.

La précision d’une conversion en noir et blanc dépend des valeurs choisies pour déterminer les tonalités qui attireront l’attention du public. Pour cette raison, il faut analyser l’interaction de chaque couleur avec les autres pour bien déterminer les différentes nuances de gris de l’image. Voici les raisons qui m’ont amené à choisir ces valeurs de conversion.

Je laisse le Rouge à zéro car son effet sur l’image est minime. Une valeur supérieure risquerait d’ introduire du bruit.

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Pour focaliser l’attention du public sur l’homme assis à droite, j’éclaircis les visages et le turban en portant les valeurs Orange et Jaune respectivement à +15 et +20. Ensuite, je fixe le Vert et le Bleu vert à +50, ce qui accentue les textures de l’image sans introduire de bruit. Je renforce la lumière sur les épaules du sujet principal avec une couleur Bleu réglée à +40. Enfin, pour faire ressortir le vêtement de la femme qui est debout, je détermine les paramètres Pourpre et Magenta respectivement à +20 et –40 (C).

Le choix des valeurs dépend des éléments qui doivent focaliser l’attention du public. Nous savons que le contraste attire le regard. De facto, c’est un outil très puissant lorsque vous convertissez une image couleurs en noir et blanc.

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À cet instant du flux de production, l’image est un peu terne. Je corrigerai ce problème après le virage partiel. Je modifie toujours les réglages jusqu’à ce que j’obtienne une adéquation entre l’image et la sensation que je souhaite exprimer. ہ l’instar d’un maître queux qui teste une nouvelle recette, je goûte la sauce dès que j’y ajoute un ingrédient. Je fixe la Saturation des tons clairs à 60 et celle des tons foncés à 35 pour mieux apprécier l’impact du virage partiel. Ensuite, j’assigne aux paramètres Teinte des Tons clairs et Teinte des Tons foncés les valeurs 50 et 266. Enfin, je ne modifie pas le paramètre Balance (D).

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Une fois le virage partiel déterminé, je redonne de l’éclat à l’image en ajustant quelques paramètres du panneau Réglages de base.

Après avoir réduit la valeur d’Exposition, je décide de la porter à +0,10. Ensuite, j’augmente la Luminosité jusqu’à +30 pour faire ressortir les tons moyens et éclaircir l’image. Enfin, comme je souhaite attirer l’attention sur les textures, je règle la Clarté à +50 (E).

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L’histogramme montre un écrêtement des tons clairs. Comme les tonalités écrêtées se limitent à la calotte blanche, je préfère effectuer une correction locale avec le Pinceau Réglage, plutôt que globale avec le paramètre Récupération. Je fixe l’Exposition à –0,50 et les autres valeurs à 0, et j’appuie sur la lettre J pour afficher les zones écrêtées, que je corrige avec un pinceau de taille moyenne (F).

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Il reste deux dernières étapes. Je souhaite tout d’abord compenser certains effets indésirables de cet adoucissement du visage, en commençant par accentuer le regard du sujet principal. J’applique un facteur de zoom de 1:1 et je définis un pinceau de petite taille. J’ajoute à ce regard plus de Luminosité, d’Exposition, de Clarté et de Netteté (G). Afin de faciliter mon intervention, j’affiche le masque en appuyant sur la touche O. Pour ce type de modification, l’utilisation d’une tablette Wacom est préférable.
Enfin, j’applique un vignettage. J’aime cet effet car s’il est appliqué subtilement, il focalise l’attention du spectateur sur le centre de la scène. Ici, je cherche à redonner un aspect vintage à l’image. Pour cela, j’ouvre le panneau Corrections de l’objectif , et j’ assigne les valeurs –94 et 30 aux paramètres Quantité et Milieu du Vignettage de l’objectif (H).

L'intension du photographe

Canon 5D, 135 mm, 1/3200 @ f/2, 800 ISO Nizamuddin, Dehli, Inde, 2008.
En photographe distrait, j’oublie qu’une sensibilité de 800 ISO m’aurait permis de fermer davantage.


Cet article est tiré de l'ouvrage
L'intention du photographe
de David du Chemin
paru aux éditions Pearson France.

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David du Chemin
 
David duChemin est un photographe professionnel spécialisé dans les projets humanitaires et la photographie de voyage. Son travail l'a conduit autour du globe, où ses aventures sont venues nourrir son amour pour ce monde et les peuples qui l'habitent.


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Vision & Voice: Refining Your Vision in Adobe Photoshop Lightroom
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ISBN : 978-0-321-67009-0

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